martes, 25 de abril de 2017

Los tatuajes: creación artística

Ritual: Circulo de tinta


Muestra Colectiva. Sala Futura


Por Yesica Gallegos - abril 25, 2017

Flyer colgado en redes sociales
El día 21 de abril, Sala Futura nos presento la muestra colectiva "Ritual" en donde podíamos ver el trabajo de artistas tatuadores de nuestra ciudad y otras localidades de la Provincia. Una de las pantallas que se cuelgan alrededor de esta exposición es mostrar al tatuaje como profesión y como medio artístico. El tatuaje, medio expresivo ligado al dibujo artístico que mezlca lo simbólico y lo real, nos adentra en un mundo ligado a los rituales, a un pasado tan antiguo como la humanidad.
Ver el trabajo de los tatuadores como una forma más del Arte, nos hace ejercitar nuestros ojos hacia el movimiento liquido de las tintas, aquellas que se marcan como huellas eternas en el gran lienzo que es la piel. Podemos observar diferentes estilos que enmarcan la obra de cada artista tatuador: desde un estilo japonés a uno de la "Nueva Escuela", como así también obras clásicas que demuestran la destreza de los artistas en sus trazos, formas y colores.
Nata Bulnes
En las obras de Nata Bulnes podemos captar una serie de acuarelas de delicadas figuras, dejando entrever la utilización de lapices de colores, de las gotas de agua generando nuevas formas, sombras, dejos de algo en una explosión de color.
La clasicidad del Arte se puede ver más claramente en la obra de Noel Delgado. Las pinturas al óleo nos permiten acceder a un aspecto que nos parece lejano a la faceta del tatuador; demuestra técnica en la realización de figuras realistas: una niña en un campo de flores, unas rosas al rojo vivo, una calavera, obras dispuestas en grandes marcos que nos sumergen en un espacio diferente, es como estar dentro de un Museo de artistas viejos y tiempos antiguos. 

Noel Delgado
Siguiendo nuestro recorrido, observamos la obra de Matías Rabini de Calafate, autor de un estilo ornamental como marcas ancestrales talladas en los cuerpos, las figuras de mujeres tipo sirenas, los rasgos orientales de las formas y diseños, similares a un aspecto hindú de colores verdes y rojos, triviales y configuraciones abstractas.
Matías Rabini
La música y el color impregna la obra de Miguel Mellado. Imágenes de formas distorsionadas como tentáculos en una realidad cíclica de colores vivos. Las figuras de músicos e instrumentos musicales nos dan a conocer una parte del artista, el gusto por la representación visual de la musicalidad que nos rodea, cantantes del ayer, de un Ray Charles y los acordes de un soul o un jazz de los 60's.
Miguel Mellado
Los trabajos de XdaloX Wallace y Ruben Díaz nos muestran un estilo similar a la Nueva Escuela, formas icónicas y geométricas como imágenes caricaturescas de la realidad. El trazado de lineas marcadas y negras, colores definidos que nos muestran venados y hombres como estampas de una baraja de cartas, calaveras y flores, tiburones animados y de colores resaltantes. Entre estos artistas también vemos un estilo japones en la aparición de peces koi, son tatuajes específicos que caracterizan el trabajo de muchos tatuadores. Dedicarse a un estilo es una elección y la definición de su rol como profesional en el tatuaje.
Ruben Díaz - XdaloX Wallace
Por otro lado, tenemos las obras de retratos realistas, donde el hiperrealismo nos exhibe a bellas mujeres desconocidas, escenarios oníricos en los rostros esbozados en líneas blancas y finas, un trabajo meticuloso que nos refleja la técnica del artista Gary Roman.     
Por último, se encuentran las obras de Diego Cayún y XdanX Arcos, el primero de ellos realiza dibujos de barcos y flores, mientras que el segundo expone un trabajo de estampas que parecen quemadas con diseños de faroles, de un icónico Dalí transfigurado, de insectos y cascos en la búsqueda de la generación de nuevas formas. 

XdanX Arcos
La muestra colectiva "Ritual" nos introduce al mundo del tatuaje como Arte, son los distintos dibujos y trazos de tinta que han estado presentes en las diferentes civilizaciones de la humanidad. Con motivos específicos para su origen, según cada pueblo o raza, el tatuaje tiene una iniciación ritual, para marcar, exorcizar, elevar al sujeto a otro estadio y hacerlo parte de una comunidad. Es un circulo constante realizado por la tinta y la aguja, haciéndonos unos y otros.

jueves, 20 de abril de 2017

El Festival de la Fotografía

La fotografía en sus distintas formas

II Festival Internacional de Fotografía Analógica y Procesos Alternativos


Por Yesica Gallegos - enero 20, 2017

Flyer difundido en las redes sociales
El Complejo Cultural de nuestra ciudad dio comienzo en el transcurso de la semana pasada al II Festival Internacional de Fotografía Analógica y Procesos Alternativos. La fotografía como vedette en la teatralidad de los rincones del sur de Argentina, nos hizo establecer un contacto con estéticas diferentes, con los paisajes de unos y los humanos de otros. La multiplicidad de fotografías con las que nos encontramos en las salas de exposición, nos abren un amplio panorama acerca de diversas técnicas fotográficas, diversos modos de hacer fotografías.
Olvidamos la cámara digital para volver hacia otros procesos de producción de imágenes, como copias fieles de la realidad o cuadros de una historia inventada. Vemos obras donde los colores azules impregnan las imágenes, después comprendemos que el cianotipo genera otro tipo de resultado, un cuadro de tristeza, una nostalgia fría recorre aquellos instantes captados.



Seguimos recorriendo y encontramos fotos difusas de un ambiente envuelto en un halo de misterio, hay fantasmas allí, moviéndose veloces en escenas sin decodificar. Las tonalidades marrones, la oscuridad de sus contornos y siluetas, fotos que tienen rasgos de una atemporalidad extraña, el disparo fugaz de una cámara estenopeica.


Los contextos, la realidad de cada lugar irrumpen en la fotografía. El lente del artista capta a otros, al poder, a la naturaleza, al flujo del tiempo y la expresión de quien cede un instante. Mensajes visibles y otros no tanto se hacen uno con las obras de los artistas. 
Ataúlfo Pérez Aznar

Más allá de los efectos diferentes que generan las distintas técnicas empleadas, nos atraviesa una variedad nueva de imágenes producto de las nacionalidades que se entrecruzan en este camino. Tenemos autores de nuestro país, pero también de Alemania, Bélgica, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Estados Unidos. España, Francia, Hungría, Italia, Lituania, México, Portugal, Reino Unido, Ucrania, Uruguay y Venezuela. Es importante destacar que la procedencia de una imagen le da sentidos distintos a los trabajos expuestos. No es lo mismo una escena impregnada del contexto de un Buenos Aires convulsionado, a la claridad de unas playas cristalinas, a la soledad de los bosques empañados en neblina en Estados Unidos, a la delicadeza y belleza de unos desnudos femeninos, al retrato de una mujer en México o al marco onírico de una mujer en Polonia.
Las fotografías de colores vistosos también se muestran en las paredes de aquellas salas. Fotógrafos que exponen claramente los vivos colores de la realidad, las gotas de la lluvia sobre un rostro femenino, la escena de un gato en un entorno chinesco, el retrato de la vida cotidiana: un cepillo de dientes, una manzana, Vemos la importancia de la luz y la rapidez con la que un obturador capta un momento. Lo real y lo mágico.


Desde la puesta en marcha de talleres acerca de estos procesos alternativos en fotografía como así también de charlas proporcionadas por reconocidos artistas como Fernando González Casanueva y Ataúlfo Pérez Aznar, ingresamos al mundo de la luz y al trabajo con la realidad, con los escenarios cotidianos y los humanos que somos. Las "fotos" deben poder acercarnos al otro, a un mundo diferente y posible, ampliar nuestra visión sobre lo que nos rodea, a los detalles de una vida en constante rutina. La fotografía debería invitarnos a ver lo que no vemos y llevarnos a soñar con realidades paralelas a la nuestra, viajar hacia pequeños lugares dentro de nuestro propio mundo a través de los ojos de un otro, extraño ser escurridizo que armado con una cámara, distinta según el día, dispara a una presa expresiva y a un entorno fluctuante. Capturas de expresividad y espacios.


jueves, 13 de abril de 2017

Litografías en Fundacruz

Grabados de historias. Imágenes que se asemejan a recuerdos

Los litograbados y Lucía Torres


Por Yesica Gallegos - abril 13, 2017

Flyer difundido en redes sociales
Casa Fundacruz comienza este abril con la muestra de Lucía Torres, quien recurre al Grabado como medio de expresión. Es muy difícil encontrar exposiciones completamente de grabadores en nuestra ciudad, por esa razón resulta aún más importante gastar unos minutos de nuestro tiempo para visitar esta muestra. 
En el recorrido de la exposición es posible encontrar variadas técnicas de grabado: litografía, transfers, litopoliéster, giclée, xilografía. El desconocimiento de muchas de ellas, me lleva a esbozar ciertas ideas acerca de lo que son.
La muestra titulada "Litografías" nos conecta con la idea del grabado sobre piedra (matriz), pudiendo observar las estampas que conforman la obra de la artista. De gran calidad en los dibujos que se exponen, como fotografías o imágenes transferidas, las obras nos hacen dudar acerca de qué son en realidad. Podemos observar retratos de mujeres como recuerdos de ella y otras, acompañan a estas imágenes textos que nos introducen en un diario imaginario de mujeres desconocidas para nosotros, los espectadores.
Aquellas letras nos conducen hacía escenas de un tiempo distinto, en escenarios cotidianos, en las charlas de una madre, hija, sobrina o nieta. La poética en las palabras de otros, los pensamientos que los invadían, las frases, nos conectan con ellas y quizás también nos identifican. 

Mujer I - Litografía, 2016
Mujer III - Litografía, 2016
Aparte de las mujeres que nos miran al caminar, tenemos una serie de litografías dedicadas a los migrantes. Ante ello nos planteamos preguntas en cuanto a los orígenes, hacia dónde vamos, a dónde pertenecemos, en dónde quedan restos de nosotros. Las migraciones llevan consigo promesas, sueños de algo mejor, choques culturales; el movilizarnos de un lugar a otro, nos parte, nos divide entre lo que somos y seremos aquí y allá. En las imágenes de los migrantes, vemos mujeres de vestimentas antiguas, en caminos, dispuestas en un espacio nuevo, delante de casas de épocas, casas que nos recuerdan a Casa Fundacruz. Realizadas en madera, imponentes, con una mezcla de estilos que caracterizaron a las casas en cierto momento histórico.
Ver a esas damas, solas ante las vías de un camino intránsitado, nos muestra una parte de la artista que no conocemos, una historia personal, algo que lleva en sus raíces. Esas mujeres que posan ante la cámara de la vida, quedando grabadas en las piedras de su creadora.

Migrantes
Por sobre las obras que englobo en el título "Migrantes", tenemos obras de pequeños formatos que nos presentan técnicas como litopoliéster y giclée. El litopoliéster utiliza una plancha de poliétileno como matriz , mientras que el giclée recurre a los medios digitales para reproducir imágenes o fotografías en alta calidad a través de la impresión por chorro de tinta. Lo curioso del trabajo realizado por la artista es que ella añade a esas imágenes, depositadas en marcos de madera y vidrio, como cajas de muñecas, pequeños objetos en relación a la fotografía plasmada.
Tenemos a niños en actitud que remiten al juego, podemos observar pequeños objetos creados por la artista: una mamadera de vidrio, un muñeco y un vestido que parecen estar realizados en diferentes tipos de papel, y unos zapatitos de lana que hacen juego con el vestido.El detalle en las miniaturas y el trabajo prolijo y ordenado de las obras enmarcadas en estas "cajas" de seguridad, otorgan profesionalidad a su obra.
Al igual que con las temáticas antes retratadas, en estas pequeñas piezas de nuevas técnicas de Grabado, podemos notar esta constante implementación de imágenes que vuelven nuestra mirada hacia un pasado ajeno. Nos muestra una vida en algún lugar, con personajes de fotografías reveladas, esas fotos que todos tenemos guardadas en un álbum viejo y olvidado, las imágenes de un pasado que mis abuelos mirarían con nostalgia, quizás.

Giclée
La muestra de Lucía Torres nos ilustra, a través de sus grabados, recuerdos, pasajes de una memoria que debe ser suya. Podemos citar a Galeano cuando afirmaba que nosotros estamos hechos de historias, cuan acertado resulta ello cuando observamos el trabajo de esta artista. El cumulo de experiencias de su vida en este y otro lugar, su apego con su ciudad, nuestra ciudad; todo ello dirige su obra, crea en ella la temática de su exposición, y como ella misma afirma, volver produce un encanto nuevo y viejo a la vez. Es volver a ser y ver lo que vivía, a encontrarse de nuevo con su yo más guardado. 
Podremos viajar a través de las litografías de Lucia Torres hasta el 30 de abril, sumergirnos en las imágenes de un tiempo pasado, husmeando los diarios de mujeres desconocidas y paseando a través de una historia. Bien puede ser suya, bien puede ser mía.
  

  
  

lunes, 10 de abril de 2017

Un paso hacía El Calafate

Cuando el Arte sana, cuando el Arte nos encuentra.


Entrevista a Verónica de Cristofaro, miembro del espacio Arte y Salud perteneciente al Hospital Formenti - El Calafate


Por Yesica Gallegos - abril 10, 2017

Imágenes extraídas de la página del espacio
En Santa Cruz tenemos muchos artistas que comparten su Arte, un rizoma que crece constantemente a través de la experiencia compartida entre unos y otros. Esta vez, mis ojos y oídos viajan hasta la localidad de El Calafate, donde se desarrolla un movimiento artístico y cultural de la mano de la doctora Verónica de Cristófaro y el grupo de artistas que se han conformado como equipo de trabajo. Para conocer más sobre ello, he entrevistado a Verónica de Cristófaro, quien nos alumbrara sobre esta movida cultural.

Yesica Gallegos: Buenas tardes. A través de Silvana Torres Opazo y Constanza González, miembros del Patio Om, he podido contactar con usted. Ellas algo me han comentado sobre lo que ustedes realizan en Calafate, pero me agradaría que me contases acerca de ello, ¿de qué se trata este movimiento cultural?

Verónica de Cristófaro: Bueno, Yesi. Este movimiento cultural parte desde un programa que se lleva adelante desde el Consejo de administración del Hospital de El Calafate, el cual se llama Arte y Salud. Era una necesidad poder expresar que el Arte está también presente en la construcción de la salud, porque la salud no es lo opuesto a la enfermedad sino que está atravesada por un concepto bastante más amplio que tiene que ver con el bienestar de la cabeza, el cuerpo y lo social. Es ahí donde el Arte puede ayudar a procesos de reparación de situaciones de enfermedad que muchas veces no tienen una cura. Acá es donde la palabra curar y sanar tampoco cumplen el mismo rol. Bueno, desde ese movimiento cultural que sale desde el concepto Arte y salud es que se hacen todas estas expresiones de Arte que se vienen haciendo desde noviembre de 2015.
Te explico. Es aleatoria la elección de los espacios de locación de estas muestras de Arte. Éstas se llevan adelante en forma permanente en las paredes del antiguo Hospital de El Calafate, el antiguo Hospital Formenti. Tratamos de que las paredes siempre tengan Arte además de ese blanco inmaculado que está en los hospitales o lugares de espera, y el tema también tiene que ver con recuperar esos espacios de espera como espacios de no lugares en el uno sólo está esperando y, por ahí, permitir de alguna manera la reflexión en relación a lo que el artista quiere contar. Muchas veces, a pesar de que el artista quiere contar determinadas cosas, está la interpretación del espectador que ocurre desde los ojos de él hacia adentro. Entonces hemos usado esta locación, poco habitual, para situaciones de Arte o de muestra de Arte, como es el antiguo hospital, pero también hemos realizado intervenciones urbanas en el boulevard del centro de la ciudad de El Calafate y también hemos participado tratando de transformar objetos que estaban en desuso, por ejemplo, el caso de unos manteles de la Cámara de Comercio que estaban manchados y se han transformado a los mismos en obras de Arte que se han expuesto en el Paseo del Anfiteatro con el que cuenta nuestra ciudad.

YG: Cuando vos decís que hay una diferencia entre sanar y curar. Para vos ¿en cuál de esas, por así decirlo, “categorías”, entraría el Arte? ¿Es sanador o tiene propiedades curativas?

VdC: Hago la salvedad porque no es lo mismo. La situación de sanar es una cuestión mucho más profunda, donde hay involucrados un montón de aspectos espirituales. Muchas veces, uno cura síntomas, curo lo que veo, lo que manifiesta algo. Curar es la desaparición de esos síntomas, pero sostener la cura tiene que ver con un proceso de sanación. El Arte, sin lugar a dudas, colabora desde la profundidad a la superficie. Está íntimamente relacionado con el concepto de salud que dice la OMS, la cual afirma que salud es un bienestar bio-psico-social y no sólo la ausencia de enfermedad. Esta definición es el resultado de una evolución conceptual, ya que surgió en reemplazo de una noción que se tuvo durante mucho tiempo, la cual presumía que la salud era, simplemente, la ausencia de enfermedades biológicas.

YG: Bien. Ahora en cuanto al espacio que utilizan para las exposiciones, el antiguo Hospital de El Calafate, ¿se encuentra en desuso o todavía se halla en funcionamiento?

VdC: Sí, Yesi. Es un espacio que estamos usando en el predio del edificio en el que conviven dos estructuras provinciales, una es Desarrollo Social de la Provincia y la otra es la dependencia del Ministerio de Salud. En la parte de Desarrollo Social de la Provincia, dirigida por Lucas Kolber, se realizan muchos talleres de Arte, en los cuales, parte de los usuarios de estos talleres son nuestros pacientes de salud mental. O sea que la agenda diaria que tienen estos pacientes coincide con el uso que realizan de estos talleres. También se está diagramando un vivero terapéutico en el mismo predio que pertenece a la Provincia y, además, está la parte de salud dependiente del Ministerio de Salud con Silveira García, una psicóloga que asumió hace muy poco tiempo y tiene mucho conocimiento y entendimiento de esta unión de Arte y salud, donde hacemos las muestras de Arte, las cuales algunas son temáticas, llevando a cabo hasta ahora nueve.

YG: Ahora bien, en relación a su grupo de trabajo, ¿cómo se encuentra conformado? ¿Son muchos los que llevan adelante esta tarea?

VdC: La primera convocatoria se llamo “Un poquito de todos”. En esa muestra la idea era que la gente que hacia Arte en El Calafate se sumara a la propuesta. En su momento fueron 37 personas con sus obras de Arte a la primera muestra del Formenti. ¿Qué sucedió? De esas 37 personas, entre 27 y 30 se quedaron y participaron del resto de las convocatorias. Entonces, sin querer, fue un grupo espontáneamente armado, donde ahora cada vez que hay una muestra individual o una muestra grupal temática, como las que solemos organizar, todos colaboramos. Sin querer se armo un grupo estable.
La primer muestra, como te comentaba, se llamo “Un poquito de todos”, después hubo otra que se llamo “No Retornable”, siempre tratamos de que el nombre sea el disparador de la muestra. En esa muestra, hablábamos de las palabras que uno ‘tira’ al aire y después cómo se modifican en cuanto a quien lo escucha, y si esto tiene o no tiene retorno. Entonces de alguna manera hablábamos de la prudencia de las palabras, también otros artistas eligieron hablar de la donación de órganos, preguntarse si la muerte realmente era no retornable, si uno dejaba parte de uno para que otro pudiera  vivir. Otra de las muestras que hicimos se llamaba “Mi mamá me mima”, lo que hicimos allí fue consolidar el vínculo, más allá desde donde se produzca, si se da de forma natural o en modo de adopción, si se produce con los animales. En realidad, el tema era el vínculo madre-hija.  Después hubo muestras individuales y la muestra de una artista brillante, cuyo seudónimo es Josephine Morphine. Tuvimos muestras de fotografías de Hugo Gardés y del Archivo Histórico.
Este año inauguramos otra muestra en la cual las chicas del Patio Om formaron parte con sus obras. Tenemos pensado hacer “Un poquito de todos II” y ya tenemos agenda para este año, pero esta buenísimo invitar a cualquier artista de la Provincia que quiera pedirnos el espacio y nosotros podamos ayudarle a montar su muestra individual. Las convocatorias figuran en la página del Hospital de El Calafate en una pestaña que se llama Arte y Salud. Si cualquier usuario de la web entra a esta página y cliquea sobre esta pestaña, van a poder ver fotos sobre lo que hemos hecho y lo que van a ser las nuevas convocatorias. Ahora tenemos dos: una que se llama “Un poquito de todos II” y la otra que se llama “Que ves cuando no me ves”, cuya temática es que el soporte o parte del material que se utilice debe ser una placa radiográfica. Entonces de alguna manera ahí lo que ayudamos es a procesar este paso de salud y enfermedad porque es casi espontaneo que cuando uno ve una placa, la persona le cuente acerca del proceso el cual atravesó el sujeto que esta fotografiado en la imagen. O también uno mismo, vuelve a revivir desde otro lugar ese proceso de salud o de enfermedad y reparación del daño que vivió con esa placa. Esa vivencia genera y moviliza un montón de aspectos a una persona que está ahora en otro lugar; desde un espectador, el propio paciente o el familiar del mismo, buscamos que el soporte o parte de los elementos de la obra sean las placas radiográficas. Este es el disparador en cuanto a las cosas que uno ve y las que no, que conforman igualmente a la persona. A veces uno ve a una persona y no puede de alguna manera descifrar qué es lo que trae en su historia; esto ayuda a ‘limar’ un poco las asperezas que generan los prejuicios o preconceptos.

YG: Usted además de doctora  ¿es también una artista activa? ¿Qué es lo que la motivo a unir su carrera medica con lo artístico?

VdC: Una de las definiciones que tiene la medicina es el Arte de curar. Creo que la primera vez que me sonaron estos dos conceptos fue cuando comencé a estudiar Medicina en el año ’90. La verdad que creo que se construyo esta asociación en mí; sí, hago obras de Arte y me gusta expresar lo que a veces no encuentro en las palabras en obras de Arte. No me considero una artista, me considero una militante del Arte, posiblemente. Me parece que son construcciones, así como está la construcción de la salud, también está la construcción de una  medicina que no sólo tenga en cuenta la parte hegemónica, la cual muchas veces deja bastante que desear. La posibilidad de empatía te la da el Arte, creo que si los médicos entendiéramos esto, podríamos hacer mucho más por los pacientes que sólo curar.

YG: Este Arte que es compartido y vivido en este espacio público, ¿cómo es recibido por los que transitan cotidianamente el lugar?

VdC: Los pacientes de salud mental están participando de talleres. Esto empieza siendo una iniciativa del hospital pero termina unificándose también con otros actores sociales, como es Desarrollo Social de la Provincia. Hubieron en algún momento pacientes que concurrieron a talleres de mándala, porque ésta al tener un orden, tiene un bajo grado de frustración para el paciente y van empezando por la elección de los colores o las formas y todo eso también tiene una lectura.  Así que, en realidad, en estos momentos estamos haciendo espacios de muestra pero además, relacionados con Desarrollo Social de la Provincia, se está brindando la posibilidad de realizar talleres de Arte a pacientes, en este caso de salud mental.
A decir verdad, estos espacios de Arte fueron muy bien recibidos por la comunidad. Por ejemplo, muchas escuelas y muchos docentes de Arte, llevaron a los alumnos a ver las obras de Arte, porque en muchas ocasiones había chicos que no habían visitado nunca una muestra de Arte, entonces las Profesoras de Artes Plásticas fueron y explicaron cómo era la dinámica de una muestra, también nosotros muchas veces intervenimos el espacio. Por otro lado, muchas escuelas o cursos de escuelas, participaron de estas convocatorias a través de sus docentes de Arte. Fueron muy bien recibidos, a las inauguraciones siempre viene mucha gente, los medios locales nos cubren, es como si yo te dijera, Yesi, que El Calafate estaba buscando tener espacios de Arte alternativos.

YG: Siempre es un evento positivo el surgimiento de gente que se mueva, no sólo por uno mismo sino también por otros. Por otro lado, yo no conozco El Calafate de ahora, más bien tengo recuerdos de un Calafate de unos 16 años atrás. ¿Cómo es su ciudad a nivel artístico hoy? ¿Tienen producción? ¿El público es activo en cuanto a las propuestas culturales?

VdC: Yo hace siete años que vivo acá. Soy santacruceña, soy de Rio Turbio, antes vivía en Rio Gallegos. La verdad que para mí ha sido una evolución en estos años, he visto muchas manifestaciones artísticas, hay muchos músicos, muchas personas que escriben, muchos que pintan en su casa silenciosamente. La idea es sacar esa producción, porque no les pertenece; el Arte no le pertenece a quien lo realiza, sino a quien lo tiene que ver. Tiene que ejercer la función y cumplir el ciclo, el cual termina cuando hay un espectador, tomándolo como un ladrillo para alguna de sus estructuras. Así que yo creo que sí, hay una tierra fértil para el Arte, hay docentes de Arte en las escuelas ávidos de estas movidas y que han participado activamente, tanto como espectadores y artistas en el caso de los alumnos. Hay una cosa que llamo mucho mi atención, una de las obras que fue la de la artista Josephine Morphine, tuvo un efecto muy importante en los niños del jardín de infantes. Las apreciaciones de los chicos fueron magnificas.

YG: Estoy de acuerdo con vos, el Arte te lleva a exponerte, libera una voz que tenemos dentro de nosotros mismos. Entonces, ¿vos apostas a que el Arte implica “poner” el cuerpo?

VdC: Es más el Arte pone el alma.

YG: Saca muchas cosas que uno lleva dentro de sí. Por otra parte, ¿en este momento tienen alguna muestra colgada?

VdC: Sí. “Dimes y diretes”. Una transformación de dichos populares en obras de Arte, es en esta muestra que las chicas del Patio Om fueron incorporadas, aunque no es la primera vez que viene gente de Gallegos a participar, también han tenido participación en la muestra “No Retornable”. En “Dimes y diretes” tenemos un total de 32 obras, algunas son dos obras de dos artistas diferentes y otras son obras colectivas. Hay una obra, por ejemplo, que se llama “Remando en dulce de leche”, hay también una intervención del espacio que se llama “La curiosidad mato al gato”, que consta de una serie de gatos escondidos por todo el espacio, en las puertas, en las esquinas. Tenemos varias obras y son muchos dichos: “Pájaros en la cabeza”, “Más vale pájaro en mano que cien volando”, y muchos otros. En cuanto a la pregunta sobre la agenda, la primera en la lista fue esta muestra, “Dimes y diretes”; la que sigue es “Un poquito de todos II”, donde la temática es libre como así también el tipo de obras que se pueden presentar, bidimensionales o tridimensionales. Siempre cada vez que hacemos la inauguración pedimos algún artista musical para que se presente, lo ha hecho la Orquesta del Barrio en su momento, un dueto de cuerdas en otro momento, gente de Gallegos, los chicos que ganaron los Torneos Evita. Creo que para esta muestra viene Pancho Escaparatela, estuvo Lorena Pérez, una artista de Gallegos pero que también es de Calafate, del Chalten, como le gusta decir a ella, es de todos lados y de ninguno. Hubo una de las muestras que era “Un poquito de todos”, donde se presentaron obras literarias, se plotearon en las paredes. Así que, bueno, queda abierta la convocatoria para la gente que quiera participar en “Un poquito de todos II”. Después de esta muestra, está en agenda la intervención de las placas radiográficas, ya sea como soporte o como elemento, el cual está también abierto a las escuelas. Todas las fechas están en la página del Hospital Formenti. Posterior a ello, tenemos en agenda una muestra que se llama “No da puntada sin hilo” que es una exposición individual textil y literaria. También tenemos una muestra de fotografías y pinturas en la cual van a participar dos artistas, uno es Hugo Gardés y el otro es Sebastián Dons. Sería interesante si alguien quiere utilizar el espacio que nos avise, así podemos guardarle una fecha.  

YG: Por último, si tuviera que definir el Arte de Santa Cruz en una palabra, ¿cuál sería?

VdC: Como las páginas web, “en construcción”. La cultura en Santa Cruz está construyéndose con un poquito de todos.

YG: Me podría decir la dirección del hospital y los horarios para visitar las exposiciones allá en El Calafate. Así animamos a la gente a acercarse.


VdC: El hospital es el antiguo hospital del pueblo que queda en la calle de atrás del Anfiteatro. Se pueden acercar de lunes a viernes de 8:00 a 20:00 hs.

viernes, 7 de abril de 2017

ME = YO : La selfie como constructora de realidades ficticias

#ME  Muestra individual de Natalia Sequer: Cuando nuestro reflejo rebota en las redes.


Museo de Arte Eduardo Minnicelli


Por Yesica Gallegos - abril 7, 2017
Flyer colgado en las redes sociales
Dando la bienvenida al mes de abril, el MAEM ha inaugurado la muestra en solitario de la artista Natalia Sequer. Se trata de una exposición de cuadros en pequeños formatos, realizados en madera sobre la cual la artista ha implementado acrílico para la realización de sus obras. Al ingresar a la sala uno puede toparse con una "lluvia" de obras colgadas en diferentes espacios del Museo. Llama nuestra atención los colores estridentes que componen las pinturas, colores flúor que venden la imagen a nuestros ojos, redirigen nuestra mirada, dan frescura y jovialidad al entorno.


La temática de la obra gira en torno a las selfis. Como todos sabemos, la palabra inglesa selfie quiere decir autorretrato; implica el tomarme yo una foto de mi mismo. Con la revolución de las redes sociales, se ha producido una proliferación de "autofotos", miles de rostros vagan en la Web, desdibujando el limite de la privacidad, siendo publico y expuesto a miles de otros. La artista toma esta idea y se plantea interrogantes acerca de palabras claves como el egocentrismo, el reconocimiento, el ser visto como una nueva dimensión del ser. Al observar sus obras, tratamos, quizás inconscientemente, de buscar a sujetos conocidos entre esa multitud de rostros que son parte de nuestra comunidad, a quien tal vez nos cruzamos en la calle o charlamos en el Banco. 
Y esos cuestionamientos de la artista son analizados por nosotros al recorrer su obra. Más allá de fisionomías, gestos y morisquetas, las selfis nos llevan a pensar en sentimientos y realidades construidas; montamos una escena como en una obra de teatro. Creo que ese es uno de los rasgos que define a la Web, ilustrar mentiras, quizás algunas verdades, fingir sentimientos donde tal vez hay heridas. Es la conformación de una realidad manipulable por otros y también por nosotros mismos.





La disposición de las obras en el espacio y la iluminación genero sombras que causaban un efecto de continuidad, parecían las sombras del que no está, de quien no coloca foto de perfil en sus redes sociales, aquel que describe con esta acción una característica de si mismo. Dicen que las fotos en nuestros perfiles describen partes de nuestra personalidad, las selfis, por ejemplo, indican extroversión, el "estoy ahí para que me veas". Todos quieren un me gusta, una reacción, un comentario; es quizás la búsqueda de aprobación en un mundo intangible.
La utilización de símbolos propios de las redes también estableció una conexión con las ideas de la artista. Los colores, la música y el público joven rodearon las obras. La técnica bien cuidado y de excelentes terminaciones nos trasladaron hacia el Art Pop de Andy Warhol, no había una Marilyn Monroe de vivos colores, pero sí muchas otras de expresiones audaces, sonrisas naturales y miradas profundas. Podías encontrarte frente a las imágenes de muchas mujeres y pocos hombres, puede ser que las que mayormente se exponen en las redes sean ellas antes que ellos.



La única imagen que aparecía en grandes dimensiones era la selfie de la artista. Ella se expuso y sobre-expuso en la muestra que llevo a cabo. Quizás volviéndose igual a los otros, queriendo exponer lo que todos hacemos por igual en las redes sociales: buscar ser vistos, buscar ser buscados, buscar alcanzar algo en el otro que tal vez no sabemos qué es.


Las múltiples imágenes de nosotros mismos que vagan en la Web dan cuenta de nuestro tiempo, del hoy y lo que significa ser contemporáneo en este presente. Parte de éste ahora es el Arte que se vende, ese Arte de colores, ese Arte en el que nos encontramos identificados, el Arte que nos moviliza a querer obtenerlo.
En Internet somos reflejos, como ecos interminables en los miles de datos que movilizan las redes, hemos creado un espejo artificial en el que todos nos miran. Tal vez es como afirma la artista, el ser visto ahora es una "nueva dimensión de la realidad", o mejor dicho, otra dimensión del ser, de ser uno mismo en el ahora real y ser uno mismo en el presente virtual.