miércoles, 16 de agosto de 2017

Las puertas a otros mundos

"ALII MUNDI", la muestra que une mar y continente


Entrevista a Malala Lekander, artista y miembro del proyecto "Magallánica"


Por Yesica Gallegos - agosto 16, 2017

Flyer colgado en redes sociales
Agosto, mes confuso entre invierno y primavera, nos invita a presenciar el regreso del Museo de Arte Eduardo Miniccelli con la exposición de obras "ALII MUNDI" del proyecto Magallánica de las artistas Patricia Viel, Bettina Muruzábal, Marcela Botella y Malala Lekander. Los trabajos son el resultado del vinculo y el encuentro entre Santa Cruz y Tierra del Fuego, lo que el Arte puede y lo que el Estrecho de Magallanes significa. Para conocer más sobre el proyecto y las artistas, he concretado una entrevista con la artista y miembro de Magallánica, Malala Lekander.

Yesica Gallegos: Nuevamente tenemos el agrado de poder visitar el Museo de Arte Eduardo Miniccelli con un proyecto muy interesante. En primer lugar, me gustaría que te presentases y me contases un poco acerca de “ALII MUNDI”.


Malala Lekander: ALII MUNDI es la primer exhibición del grupo Magallánica. Magallánica se formó en 2015 como resultado del trabajo realizado durante la beca del FNA, coordinada por Kekena Corvalán. Conformamos el grupo, Bettina Muruzábal, Marcela Botella y Patricia Viel de Río Gallegos, y yo, de Río Grande, en la isla de Tierra del Fuego. Decidimos tomar el Estrecho de Magallanes como eje de trabajo y comenzamos a "experimentar" en torno a este maravilloso accidente geográfico.

YG: Bien. Como artistas, el grupo tiene estilos muy definidos y diferenciados, ¿podrías decirme qué punto en común comparten?

ML: Aquello que nos une (y a su vez nos divide) es el Estrecho, que como te comenté, es nuestro eje de trabajo. Y lo abordamos como una suma de esas individualidades o miradas. No se trata de cada obra en sí, sino de la suma de ellas. Eso es lo que hace fuerte este proyecto, justamente, la diversidad de enfoques.

YG: Cuando vos me hablas de enfoques, en esta exposición, estaremos ante obras realizadas completamente desde una mirada femenina. ¿La producción se ha visto influenciada por ello? ¿El arte elaborado por, solamente mujeres, es distinto a un trabajo, por ejemplo, mixto o de solo hombres?

ML: Bueno, claro. Principalmente porque creo que el abordaje de la obra, desde la mirada de 4 mujeres, es diferente. Y además, por cómo nos ubica dentro de este territorio tan ligado a lo masculino (desde lo histórico hasta la época actual). Hemos abordado un espacio, te diría, casi dominado por hombres, desde una mirada y un accionar femeninos. Y nos ha ido muy bien!

YG: Eso pensaba yo. Justo en una de las preguntas que tenía elaboradas, planteaba este ingreso a lugares y actividades masculinas. Esto también es significante y hasta resulta parte del concepto. ¿El trabajo de Magallánica es de tipo conceptual, cierto?

ML: Si bien no lo teníamos presente cuando empezamos a pensar obra en torno al Estrecho, con el correr del tiempo y a medida que avanzábamos, esta idea, te diría, casi lúdica, de penetrar en los espacios habitualmente destinados a los hombres, fue definiendo también el proyecto. El proyecto y su carácter.
Yo más que definirlo como conceptual, lo definiría como experimental, sobre todo por esto que te comenté antes, el mismo proceso de obra fue guiándonos, señalando direcciones.

YG: Si, me parece algo así como una fusión entre el concepto y el juego. Por otra parte, volviendo al tema del proyecto, ¿qué significa o representa para ustedes, como artistas, la imagen del Estrecho de Magallanes?

ML: Bueno, volvemos al tema de las diferentes miradas que, justamente, creo que representa la clave del proyecto. El Estrecho es, por un lado, su historia. Pensá que con su descubrimiento, se comprobó, nada más y nada menos, que la Tierra es "redonda". Además, fue la vía de comunicación entre el Atlántico y el Pacífico por muchísimos años. Basándonos en esta idea de unión, de comunicación, lo pensamos también en dirección norte-sur, como un territorio que separa y a la vez conecta el continente con la isla, desde un lugar amplio, sin fronteras. Si miramos esa gran masa de agua desde arriba, vemos que no hay fronteras, que somos todos parte de algo enorme. En lo personal creo que tiene una fuerza muy potente. Desde su ubicación geográfica, desde su historia, desde lo visual. Es un accidente geográfico muy increíble.

YG: Ahora bien, podrías decirme dentro de estas distintas miradas, ¿qué es lo que tiene, específicamente, de Patricia Viel, de Bettina Muruzábal, de Marcela Botella y de vos el proyecto? Es decir, ¿qué aporto cada una a lo que presentaran en el MAEM?

ML: Bueno, creo que lo experiencial define el proyecto y luego aparece el lenguaje y la impronta de cada una. Desde ese lugar, Bettina está muy atravesada por su vida en San Julián y la historia de esta ciudad ligada al Estrecho. Ella realizó, entre otras obras, una videoperformance vinculada con la historia de Magallanes en la Bahía de San Julián y el cura que abandona allí. Además, juega con las campanas de este cura y las relaciona con una serie de cueros de oveja intervenidos.
Patricia estuvo a cargo del cruce del Estrecho en avioneta y el registro desde el aire. Además, realizó una acción performática, enviando señales de humo, hacia otros mundos, desde la orilla del estrecho.
Marcela se abocó a realizar 4 retratos en los que establece un tipo de juego y relación entre los pueblos originarios, los descubridores, los terratenientes, la peonada y, a parte de ello, nosotras cuatro. Es una pieza conformada por 4 retratos, algunos, como la historia misma, inacabados.
Ellas tres construyeron la baliza Magallánica. Es una pieza escultórica que cuenta con una señal específica y se vincula con una serie de videos que realicé durante diferentes cruces entre Punta Delgada y Bahía Azul. Estos videos conforman una videoinstalación de dos pantallas enfrentadas. En una se proyecta una serie de salidas desde la costa y en la otra, una serie de llegadas. El sonido está construido a partir de tomas de audio en el puente y en la borda, radio FM angostura, señales en código Morse y otra capa específica elaborada por Tomás Guiñazú y Rodrigo Sanchez Mariño, que son especialistas en sonido.
Marcela y Patricia, a su vez, trabajaron con las banderas del código de señalamiento marítimo. Hay también una serie de 40 imágenes que fueron enviadas desde las ciudades más próximas al Estrecho en la isla (Cerro Sombrero, Porvenir y Río Grande) hacia las ciudades más próximas en el continente (Punta Arenas, Río Gallegos y San Julián). Estas imágenes fueron enviadas sin sobre, con la idea de que puedan guardar algún tipo de información, según las marcas y el desgaste que tengan, acerca del recorrido que realizan. Algunas tardaron 28 días en llegar, otras 60. Quienes recibieron esta correspondencia fueron Patricia Viel, Marcela Botella, Bettina Muruzábal y la artista chilena, Paola Vezzani (Punta Arenas).
Como verás, es un proyecto muy amplio.

YG: Si, es amplio, pero las miradas cruzan el proyecto y eso es interesante, se mantiene la esencia de cada una y a la vez hay una relación rizomática. En cuanto al nombre de la exposición, "ALII MUNDI", ¿a qué hace referencia?

ML: Tal cual y creo que eso es lo interesante del proyecto. Justamente, Alii mundi, quiere decir "otros mundos". Otros, paralelos, superpuestos, reales, imaginados o posibles.

YG: ¿De que lengua provienen esas palabras?

ML: Proviene del latín. Alii significa "otros". Tomamos esta idea de la biografía de Magallanes escrita por Stefan Sweig. Allí se hace mención a esta idea de Alii mundi y nos pareció, desde lo conceptual, maravillosa.

YG: Hermosa palabra. Hay vocablos que tienen un halo encantador que llenan los espacios que a veces no podemos cerrar. Pasando a un plano mas general en relación al Arte, ¿cuál pensas que es la función prioritaria que debería cumplir el Arte en este momento? Pensando siempre en la multiplicidad de funciones que tiene.

ML: Yo creo que el Arte, principalmente nos tiene que generar preguntas acerca de nosotros mismos, de nuestra posición en y con respecto al mundo. Creo que una de las cosas más interesantes del Arte es que es capaz de generar movimiento, pensamiento, duda, cuestionamiento, emoción. En definitiva, es posibilidad de cambio. Cuando te enfrentás a una obra y en ese "entre" ocurre algo, vos ya no sos la misma. Algo cambió. Creo que esa es una de las cosas más maravillosas del Arte.

YG: Bueno, eso es algo que siempre debería buscar alguien que ve y vive el Arte, que algo nos atraviese, interpelándonos con una realidad re-descubierta. Es motor de cambio como decís vos, yo no estaría escribiendo ahora sobre Arte, si éste no me movilizase a mi a hacerme preguntas. Por otra parte, en cuanto al Arte Contemporáneo, ¿como lo definirías teniendo en cuenta tu actividad como artista?

ML: Bueno, no soy una teórica, pero tengo la sensación de que estamos ante un cambio en donde el Arte Contemporáneo o la concepción tradicional de Arte Contemporáneo, es algo, te diría, casi pasado. Creo que estamos frente a un desplazamiento en donde el valor no está situado en lo objetual, en la materialidad de la obra, sino en ese espacio intermedio que se genera entre el artista y la obra, el espectador y la obra, y a su vez, el espectador y el artista; ese espacio en donde algo (que muchas veces no podemos definir) acontece.

YG: Si. Una comunicación constante entre el arte que se produce hoy, en esta contemporaneidad que nos atraviesa a todos, y esta relación lingüística, artista, obra y espectador. Para finalizar, me gustaría que me contases acerca del futuro de este proyecto. ¿Continuará o finalizará aquí? En realidad, ¿cuándo es que algo llega a su fin?

ML: Creemos que esto es realmente un comienzo, el inicio de un viaje de exploración y descubrimiento que no sabemos ni dónde ni cuándo termina. Y eso, al menos para nosotras, es lo más interesante!

martes, 8 de agosto de 2017

La naturaleza se cuela entre las maderas

Capturas en Fundacruz: Juan Carlos Schieda/Carlos Viñote Bidart


Patagonia 4/3: su flora, fauna y paisajes


Por Yesica Gallegos - agosto 8, 2017

Flyer expuesto en redes sociales
El viernes de la semana pasada, volvió a abrir sus puertas la Casa de la Cultura, Fundacruz. Regresando de las vacaciones de invierno, tenemos el agrado de poder asistir a la muestra fotográfica "Patagonia 4/3" de los fotógrafos Juan Carlos Schieda y Carlos Viñote Bidart. Ambos comparten la profesión y la afición artística de la fotografía; el arte, inquieto, parece transformar a la persona que lo desempeña y la obra, como objeto vivo, escapa de las manos de su creador. Los trabajos expuestos por ambos artistas nos acercan a lo nuestro, las tierras patagónicas, lo que allí crece y lo que muere, lo indómito de sus campos y la belleza de sus aguas. 
En el recorrido de la exposición podemos observar imágenes muy bien conocidas por aquellos que siempre hemos vivido en este territorio. Un zorro y un pingüino de cresta amarilla, las tomas realizadas a ambos animales en su espacio natural y sin expresiones de terror, demuestran la capacidad de los fotógrafos. Es de apreciar la disposición de la imagen de estos animales uno al lado del otro, distintos pero de una misma tierra.


Las fotografías nos van mostrando diferentes ejes acerca de la Patagonia. Podemos ver imágenes de flores que pertenecen a nuestra flora; se puede ver a un Notro en flor que, como muchas otras fotografías, nos hacen notar aquello que no vemos. Y es este tipo de trabajo el que nos hace preguntarnos si realmente necesitamos de la macrofotografía de una flor, en lugar de salir a observarla en la naturaleza, a nuestro lado donde siempre estuvo.


Si seguimos recorriendo la muestra, nos encontramos con imágenes de aves. Pequeñas y grandes, majestuosas de posturas intimidantes y de miradas perspicaces; las aves que viven con el hombre civilizado, forman parte de nuestra cotidianidad, en sus alas se guardan historias de largos viajes y en sus ojos las vidas de otros. Se vuelve especial una pequeña ave con un gusano en su pico, la captura del milésimo segundo de un instante que no dura mucho; la mirada del ave que sabe que el fotógrafo, ingenuo, esta allí. La naturaleza se vuelve sublime, inalcanzable para un hombre que no puede volar y sentir el viento en su sien.




Otra línea de los trabajos expuestos la encontramos en los paisajes. Una cascada dentro del Parque Nacional Lanin, una toma aérea de la Laguna Azul y el estuario de nuestra ciudad; dentro de estas fotografías las tomas aéreas fueron las que más captaron mi atención, con la vista empleada el estuario se convirtió en algo más, caminos serpenteantes en el barro, como grietas en terreno desconocido, además de la perfecta captura de la Laguna Azul, esplendoroso cráter olvidado y solitario, sus aguas azules verdosas, los colores y capas de la tierra parecen guardar misterios sin develar. La imagen de la estación astronómica austral "Félix Aguilar" nos acerca un poco más hacia el cielo, a lo que desconocemos de nuestras tierras, al descubrimiento, más que de las estrellas, de nuestra poca capacidad para conocernos, para adentrarnos en lo que fuimos, en lo que queríamos convertirnos.



Concluyendo, la muestra nos adentra en nuestro territorio, desconocido y conocido, la tierra de las pequeñas garras y flores silvestres, donde los pastos amarillos son acariciados por el sol y un "chorro" de agua busca su cauce. La muestra en general nos expone el trabajo de aquellos que son amantes de la fotografía, a veces las exposiciones fotográficas de este tipo, de una técnica tipo ambiental basada en la observación continua de la naturaleza, me paran ante la pregunta ¿fotógrafo o artista? La fotografía esta recorriendo un amplio campo de alcance, pero ¿qué es lo que hace a alguien que toma una fotografía, un "artista"?
Evidenciar lo que nadie ve, conservar la estética de una captura sin necesidad de que sea una buena cámara la que poseamos, disfrutar el tiempo empleado en cada toma, creo que eso es lo que se expone en cada una de las fotografías que conforman esta exposición. Es difícil diferenciar a quien pertenece cada imagen puesto que comparten la técnica, un tipo de fotografía que parece homogeneizar el trabajo de los fotógrafos. 
Para conocer más acerca de lo que nos rodea, nuestras aves y flores, paisajes como pinturas retratadas y a un lycalopex griseus y un eudyptes chrysocome schieda, deberán visitar la muestra "Patagonia 4/3" y volver a rever qué es ser patagónico.



lunes, 17 de julio de 2017

Desde Calafate: Pintura y Dibujo

Cuando hablamos de hormigas y peregrinos...


Muestra "Dons + Stefanazzi" - Complejo Cultural Santa Cruz


Por Yesica Gallegos - julio 17, 2017

Flyer colgado en redes sociales

El viernes de la semana pasada se inauguro en las salas del Complejo Cultural de nuestra ciudad la muestra "Dons + Stefanazzi" de los artistas Sebastián Dons y Mauro Stefanazzi. Una exposición de pinturas y dibujos en el marco de dos ejes temáticos: "Como hormigas" y "Como peregrinos". Los artistas. provenientes de Calafate, mostraron un uso de técnicas diferentes en un trabajo cuya temática parecía complementarse.
El trabajo de Mauro Stefanazzi nos para ante la magnanimidad de un cuadro y lo diminuto de unas formas que caminan, trabajan, encuentran. "Como hormigas" nos abre la puerta a interrogantes, nos interpela al ubicarnos frente a un gran formato y donde vemos en esos pequeños seres a una parte de nosotros mismos, somos una diminuta parte de un inmenso todo. Como afirma Mariel Breuer, las estrellas y los pequeños "otros" de Stefanazzi parecen ser similares.


 
Los colores que implementa en las formas, anaranjados, rojos y rosas, violetas, azules y verdes, generan volumen que despegan las figuras del cuadro, mostrando con ello destreza en la utilización del lápiz. Figuras aleatorias como cilindros, rectángulos. formas abiertas que se acumulan en sus imágenes como desechos entre los que viven esos pequeños hombres. La simpleza de estos "otros", dibujados a pincel sobre la madera, con trazos simples, sin rostros ni rasgos característicos, todos iguales, donde todos trabajan, esperan, visten de igual manera, como reos de una realidad compartida.









Los cuadros como fotogramas, fragmentos de la memoria del artista, nos hacen ver algo de él, las historias de las imágenes nos remiten a situaciones de poder, donde una silla representa a quien está por sobre otro, a los pobres que viven el día a día trabajando, mirando y buscando. El título de su obra es acertado, esos "otros" son como hormigas, "bichos" que debemos acercarnos para verlos, insectos que resaltan ante la luz de un blanco que nos remite a la nieve, a nuestro sur, pero también es de hormiga el trabajo del artista que lo hace igual al público, quien sufre, vive y trabaja como nosotros, no es el "ser extraño" al que algunos quieren categorizar.




Quizás la imagen que mayor impacto visual genera en mi es la obra ubicada a la derecha. Es allí donde vemos que la obra del artista no es "linda" como afirmaban muchos espectadores, es dolorosa, nos atraviesa con un mensaje sombrío oculto ante la simpleza y belleza estética; nos muestra las relaciones de poder, donde una bandera flamea ante la conquista y avasallamiento de muchos. Vemos tumbas como restos de aquellos que no están, hay quien los llora y quien lo expone como un triunfo. La obra es como la historia de Latinoamérica, sometida y golpeada.
Por otra parte, la obra de Sebastián Dons parece tener una conexión invisible con las imágenes de Stefanazzi. Los peregrinos en nuestras tierras, los viajeros que recorren territorios indómitos, ellos y sus caballos, constructores de historias.


La técnica implementada sobre papel, un tipo de papel (fotográfico quizás), mezcla colores tierra, rojizos y ocres, figuras trabajadas a espátula, con líneas y salpicaduras en blanco realizadas al azar, es posible apreciar el empaste del material, lo cual genera textura y movimiento, hay soltura en el trabajo con la pintura. La manera en que esta implementado el material genera una imagen que parece añeja como producto de una previa preparación del papel, como manchas que el tiempo dejo en la obra, todo ello contribuye al concepto que el artista plantea en su obra.


"Como peregrinos" nos muestra a individuos que viajan a tierras que parecen extrañas, quizás regresan al hogar después de mucho tiempo, un lugar que siempre parecerá extraño cuando tus pies no lo han tocado en años. Los viajeros desdibujados que en la distancia se pierden a la vista, viajan en caravana en búsqueda de un hogar, de un lugar para asentarse. La obra me recuerda a la historia de nuestras tierras patagonicas, de las campañas de muchos otros que vinieron a vivir a nuestro territorio, crecieron con el y donde las culturas se fusionaron. Las imágenes como fotografías antiguas que nos rememoran una parte de nosotros mismos, donde lo identitario, al igual que lo que sucede con la obra de Stefanazzi, nos hace sentir cerca del artista, nos hace parte de esa "otredad".

 


La muestra nos traslada a un mundo de historias, tanto de los artistas como también de nosotros como espectadores. Conocemos a muchos otros que viven situaciones como las nuestras, que trabajan, que recorren caminos, que miran y luchan en el juego del vivir. Estéticamente agradables a la vista, obras con técnicas sumamente desarrolladas y correctas terminaciones, nos acercan a ese tipo de arte que al público le agradaría tener en casa, un arte bello pero también crítico, que nos para ante interrogantes  y ¿qué función podría tener el arte más que esa? Bajarnos de los altares de la belleza a los aposentos de la realidad.


viernes, 7 de julio de 2017

De contrahegemonías y antagonismos

Cuando vemos a otros a través de los ojos de "otros"


1ra Muestra Fotográfica sobre Subalternidades en la Patagonia: "La mirada desde y sobre los otrxs"


Por Yesica Gallegos - julio 7, 2017

Flyer expuesto en redes sociales
Ha sido una semana desde la inauguración de la muestra itinerante "La mirada desde y sobre los otrxs", organizada por el Grupo sobre las Subalternidades en la Patagonia Austral (GESPA) y el Patio Om. Los trabajos fotográficos en exposición fueron seleccionados previamente durante lo que fue el Primer Concurso Regional sobre subalternidades, dando a conocer el día de la inauguración a las fotografías ganadoras, elección realizada por un jurado compuesto por Kekena Corbalán (investigadora, docente, escritora y curadora), Horacio Córdoba (fotógrafo), integrantes de Patio Om y equipo del proyecto Subalternidades, Antagonismos y Contrahemogemonías en Latinoamérica.
La complejidad del título nos hace pensar qué es eso a lo que llamamos contrahegemonía, antagonismos y subalternidades. Simplificamos el sentido de esas palabras para lograr comprender qué es lo debemos mostrar; de esta forma captamos con el lente de nuestras cámaras al otro, a quien lucha, a quien es, al que espera, al que construye lo que ve, al que siente con todo su cuerpo y con el lente de una cámara que se hace parte de el.
Si nos adentramos en la muestra podemos observar imágenes que nos muestran ciudades derruidas, en ruinas, las paredes destruidas dibujando un espacio atemporal, nadie ha pasado por allí, sólo el tiempo, uno que ahora no existe. Una silla sin dueño o que espera a alguien, la noche y el frío que se cuelan en nuestros sentidos al solo ver la imagen.



Vemos a una mujer anciana escribiendo. Podemos imaginar qué es lo que escribe, una carta para un amigo que ya no esta, un poema, un recuerdo. La tarea de la escritura como una extensión de nosotros mismos, con su figura frágil aún sostiene un lápiz entre sus manos y deja en el tiempo restos de ella en forma de letras, frases, textos.



Una de las menciones de honor durante la inauguración fue el trabajo de Mariana Oyarzún. El cuerpo femenino como objeto de protesta,  la búsqueda personal para derribar estereotipos, preguntas constantes, las miles de construcciones sociales que conforman nuestro mundo. Caminamos aún sobre las ideas del machismo gobernante en nuestra sociedad, pero no debemos ser ni sentirnos como víctimas, es allí donde se para el artista crítico y nos muestra su visión.




No podríamos dejar de hablar de las marchas y protestas al referirnos a la "otredad" y a la contrahegemonía. Muchos de los trabajos fotográficos se refieren a ello, vemos gente manifestándose en las calles, con pancartas y gritos de denuncia, rostros llenos de impotencia y cansancio. Las sombras de miles a la espera de ser escuchados, los brazos y las manos unidos, atados a un mismo mensaje. La caída del sol no acaba con la lucha y vemos como el agua refleja un mundo del revés con la misma cíclica situación.




Siguiendo el recorrido es posible encontrarnos con una imagen que plasma la realidad de nuestra ciudad, la basura que el viento arrastra hasta pegarse a los alambrados que delimitan terrenos. Es la segunda mención de honor otorgada a Mónica Gorosito, artista que nos plasma esta idea. Una escena cotidiana es observar estas bolsas de residuos, envoltorios de golosinas y demás desperdicios como una pantalla de presentación en los recorridos, donde el viento también juega con lo que encuentra, lo eleva y lo estampa ante nuestros ojos. La imagen de otro artista nos muestra la acumulación de desechos en grandes contenedores, desbordando de basura ante los atentos ojos de una niña, la pregunta que dispara hacia el futuro, ¿qué es lo que se busca heredar? La naturaleza siempre habla.




Encontramos fotografías con respecto al género, tema difuso en este ahora. El género es algo frágil, difícil de distinguir, ¿es algo que siempre existió? Ser hombre o mujer, lo femenino y masculino es algo con lo cual no se puede luchar, uno es libre de ser quien desee ser. Construimos esquemas alrededor de cómo debe ser un hombre o una mujer, las imágenes expuestas nos acercan a la realidad, nos adentran en sus marchas y modos de expresión, nos deslizan hacia la idea de qué es la sensualidad, en qué cuerpo reside y que cámara la capta.




Otras imágenes nos acercan a la cotidianidad, a un grupo de niños en medio de una visita a nuestros glaciares; al trabajo del día a día en un taller de construcción; a la visión de un hombre fumándose un cigarrillo, afirmado contra una pared que contiene vestigios de nuestra sociedad; a la soledad de unos dentro de la ciudad, la inmensa visión desde una terraza de lo llena y vacía que puede ser la gran ciudad; el ingreso de una joven a la universidad, eslabón que conforma una de las etapas de nuestra vida; una mujer caminando dejando atrás carteles de escaparates en la ciudad, o la imagen de una artista con su frente tocando el suelo, mirándolo, sin levantar la vista con una postura de suplica, en un acto de respeto pero a la vez de denigración. Dentro de este marco también podemos ubicar la fotografía ganadora del tercer premio, "Los feriantes" de Lucio LLancapán, que nos acerca a una actividad tan común en nuestra región, el trabajo artesanal que solventa los gastos de muchos, que mezcla la pasión por lo que les gusta hacer y la dignidad de un puesto laboral.










Es importante señalar a la fotografía ganadora del concurso. El trabajo fotográfico de Pablo Godoy con la obra denominada "Infraestructura 1" fue galardonada en la noche de la inauguración. La imagen, cuya estética era notable, nos mostraba una de las calles de nuestra ciudad: calle de tierra, arrasada por la lluvia, con pozos por doquier, las casas pertenecientes a familias trabajadoras, podríamos llamarlos "clase media baja" o solo "media" quizás, la presencia del cableado que surca las alturas y conecta a cada vecino. El blanco y negro que conforma a la fotografía le otorga una finalidad, atribuye y contribuye en un mensaje claro ante el deterioro, la dejadez, la soledad y la nubosidad de las lluvias, el gris de los cielos. La pieza fundamental de esta imagen es el hombre en silla de ruedas que cruza ese pantano enlodado, a pesar de lo difícil que pueda resultar sigue su camino, el agua de la lluvia, el barro y los pozos no son obstáculos impuestos por la naturaleza, es la ausencia del poder central lo que provoca la impotencia que genera la fotografía. Tenemos que decir que esa es nuestra ciudad, abandonada en épocas sin campañas, donde solo los simples ciudadanos se ensucian para cruzar al otro lado.



La muestra "La mirada sobre y desde los otrxs" seguirá en exposición en las instalaciones de la UNPA-UARG hasta el momento en que deba recorrer otra localidad a lo largo de la Provincia. Cada uno de los trabajos expuestos muestra una mirada distinta de cada artista, es necesario valorar a las imágenes que exponen parte de nuestra tierra patagónica, desde Neuquen hasta Tierra del Fuego, vemos a la verdadera Patagonia Argentina.
Pensar los margenes y las subalternidades genera en nosotros diferentes ideas sobre ello, últimamente la tendencia en lo que se elige premiar vuelve a recaer en la estética de un buen disparo y captura, pero cabría preguntarnos ¿qué es lo que buscamos en una fotografía cuando hablamos de otros? La fotografía, considerada reflejo de la realidad, ¿debería rompernos el corazón y afligirnos como la realidad lo hace? ¿Qué es lo que debe captar el lente de una cámara?  Preguntas que nos hacemos los no fotógrafos, los aficionados, los que, tal vez, las 'cosas bonitas' dejaron de gustarnos. El deseo es ver el lente trizado de una cámara, herido por el disparo de una realidad que nunca acabara por cubrir, dar cuenta de esto es pensar en el otro y pensarme como otro más también.
Las palabras subalternidades, contrahegemonías y antagonismos deberían hacernos reflexionar sobre nuestro contexto local inmediato, nuestros posicionamientos y nuestros mismos ojos, es retrospección y prospección, es tarea para quien observa y para quien actúa. No se debe dejar de pensar en ello y esta muestra nos permite pararnos ante esta idea.